Yoon Nan-ji (Art Historian)
In the work of an artist, it is inevitable that both autobiographical elements of the artist's life and the historical context of contemporary art are revealed. Only in this way can we begin to discuss the work. While these aspects may not guarantee the artistic value of a piece, they do provide a starting point for considering it as a meaningful work of its time. In the case of Kang Airan’s work, which at first glance seems highly decorative and almost mechanically produced, we also find traces of the artist’s struggles, individuality, and the general explorations of contemporary artists, which invite us to view the work as a reflection of the artistic inquiries of our era.
The central subject of her work has been the wrapping cloth. As with most artists, there doesn’t appear to be any special or profound reason for selecting this material, nor does it carry any deep symbolic meaning. What matters more is how the artist handles the material. In works where formal exploration outweighs content, the focus tends to be on how something is painted rather than what is painted. What Kang discovered in the seemingly simple, everyday object of the wrapping cloth is its formal potential. Depending on the contents and the way it is tied, the cloth can be transformed into an almost infinite variety of shapes. If the patterns are considered as well, the visual effects can be even more diverse. Moreover, the repeated use of one subject allows for consistency amid endless variation, which aligns with her artistic intentions. She was more interested in autonomous composition than in mimicking forms.
Her particular interest in the patterns of the wrapping cloth can also be understood within this context. In her printmaking works, there is a clear distinction between the background and the form, so the shape of the wrapping cloth and the space it occupies are distinctly revealed. However, in the oil paintings currently exhibited, the patterns of the wrapping cloth detach from the cloth itself and become the pattern of the entire background. The form of the wrapping cloth is then drawn as a silhouette, layered over the background. Additionally, by repeating the form of the cloth, it becomes a pattern in itself. Thus, the shape no longer represents individual wrapping cloths but rather the concept of "wrapping cloth" itself. This form, which imitates the shape of an object while conveying its universal concept, becomes a kind of sign. In this regard, her paintings belong to the context of sign painting, reminiscent of Western Pop Art. However, while Andy Warhol's Coca-Cola bottles and Kang Airan’s wrapping cloths may both operate within this context, they are fundamentally different in terms of their formal effects and intentions. Kang's forms are neither mass-produced nor uniformly repetitive, which distances them from the indifferent tone characteristic of mass production and consumer society. Instead, these works are more aligned with the pattern painting approach that emerged primarily among female artists after the 1970s. The individual shapes, like textile patterns, are figurative yet serve as abstract elements, while the entire composition is decorative and flat. In this sense, her work can be seen as a new type of figurative painting—or even a new category of abstract painting—that reflects the contemporary art world’s dissolution of the divide between figuration and abstraction.
In Kang’s works, the attributes of figuration and abstraction are not only combined in meaning but also structurally. Particularly, if we focus on the relationship between the background patterns and the form of the wrapping cloth, we can recognize this combination clearly. The flat patterns and the wrapping cloth’s silhouette meet as if a transparent three-dimensional object is pressed onto a flat surface like glass. The background pattern emerges through the form of the wrapping cloth, and the form of the cloth itself becomes part of the pattern, creating a literal fusion of figurative and abstract elements. As a result, the entire composition becomes a large wrapping cloth that contains smaller wrapping cloths. The artist’s canvas, cut into various shapes and pieced together, resembles a large patchwork quilt.
The fusion of figuration and abstraction also appears in her technique. Kang uses both delicate replication techniques and spontaneous brushstrokes. The silhouettes of the wrapping cloths are meticulously recreated to faithfully mimic the shapes of the objects, and then transferred to lithographs or silkscreen prints. On the other hand, the background patterns rely largely on impromptu brushwork and accidental effects. The sculptural works in which the artist has cast wrapping cloths in synthetic resin are also a form of replication. Additionally, the occasional use of the frottagetechnique in the background pattern could be seen as a method that combines the attributes of reproduction and unintentional action. Furthermore, Kang incorporates craft techniques such as stitching or sewing, which is a characteristic phenomenon in 1980s art, reflecting the blending of diverse techniques.
Another significant feature of Kang Airan's work is her approach to renewing the traditional notion of painting, which is confined to framed works. These pieces, where the painting space expands into the surrounding environment, reflect the trends in contemporary art, particularly the dominance of installation art. The repeated use of a single form has the effect of presenting the canvas as part of a larger world. Moreover, the wrapping cloths that extend outside the canvas act as a bridge to external space. The sculptural wrapping cloths, in turn, literally connect illusionary space with actual space.
Kang’s works also actively adopt elements from commercial art, which has often been considered a lower form of art in terms of form, color, and technique. The decorative use of bright colors evokes patterns found in wallpaper or fabric. Particularly, the fluorescent colors used in the sculptural works replicating nylon wrapping cloths emphasize this trait. Replication techniques and sewing have traditionally been associated with commercial or craft art. However, unlike in Pop Art, Kang’s use of these methods is not aimed at parodying the distinction between "high" and "low" art. Instead, she is simply responding sensitively to the visual realities around her and positively integrating them into her work as a form of artistic expression.
Works of this kind, which focus on the exploration of form and technique, might appear to lack content at first glance. However, in the mysterious ambiguity of the wrapping cloths, which are used to wrap something unknown, we sense a peculiar sense of mystery. The duality of familiarity and mystery evokes a poetic lyricism. Moreover, the vigorous impromptu brushwork gives vitality to the surface, preventing it from falling into mere decorative ornamentation, while also providing insight into the artist’s internal world at the moment of creation. If these aspects are further explored, the work may evolve into a more sophisticated form that integrates both form and content.
Kang Airan's recent works, which break down the boundaries between abstraction and figuration, flatness and three-dimensionality, and high and low art, share characteristics with contemporary art. While this is not the determining factor for the value of his work, it does position him as a young artist attuned to the currents of her time. For her work to transcend simple sensory responses and develop into a meaningful form of art that simultaneously reveals individuality and contemporaneity, continuous exploration and effort will be necessary. The artist’s studio, filled with a variety of materials, tools, discarded experimental works, and numerous art books, embodies the potential for such a future.
복제된 형상과 추상적 문양 : 보자기의 이중적 의미
윤난지 (미술사가)
한 작가의 작업에는 대체로 그 자신의 자서전적인 요소와 함께 동시대의 미술사적인 맥락이 드러나게 마련이며, 또 그럴 경우에만 우리는 그것에 대한 이야기를 꺼낼 수 있을 것이다. 이러한 속성이 작품의 예술적 가치를 보장하는 조건은 아니지만 적어도 한 시대의 의미있는 작업으로서 논의될 수 있는 출발점은 된다는 것이다. 언뜻 보기에 매우 장식적인, 따라서 상당히 기계적인 태도로 제작된 것과 같은 강애란의 작품에서 작가자신의 고민과 개성, 그리고 그것에 얽혀 있는 현대미술가들의 일반적인 모색의 과정을 또한 찾아내게 되는 것은 그의 작품을 우리시대의 예술적 탐구의 한 측면을 드러내는 작업으로서 주목하게 되는 계기가 된다.
지금까지 그의 중심 소재가 되어온 것은 보자기이다. 대부분의 경우가 그렇듯이, 이 작가에 있어서도 이 소재를 선택한 각별한 이유가 있는 것 같지는 않으며, 그것이 그렇게 중요한 의미를 갖는 것도 아니다. 중시되어야 할 것은 그 소재를 취급하는 방식이다. 내용보다는 형식적인 탐구가 주된 본질을 이루고 있는 작업의 경우에는 특히 무엇을 그렸는가 보다는 어떻게 그렸는가가 논의의 초점이 될 것이다. 그가 보자기라는 일상 소재에서 발견한 것은 우선 그것의 조형적 가능성이다. 그 속에 담겨 있는 내용물과 매듭을 짓는 방법에 따라 그것은 무한히 다양한 형상으로 변형이 가능하다. 그것의 문양까지를 염두에 둔다면 더욱 더 풍부한 효과를 연출할 수 있을 것이다. 또한 하나의 소재를 반복하는 방법은 무한한 변이 속의 일관성을 성취할 수 있다는 점에서 그의 의도에 부합된다. 그는 형상의 모방보다는 자율적인 화면구성에 더욱 관심을 가졌기 때문이다.
그가 특히 보자기의 문양에 흥미를 가졌던 점도 이러한 맥락에서 이해될 수 있다. 그의 주된 작업이 되어온 판화의 경우에는 바탕과 형상의 구분이 있고 따라서 보자기의 형상과 그것이 놓인 공간의 속성이 뚜렷이 드러난다. 그러나 이번에 전시되는 유화의 경우에는 보자기의 문양이 보자기로부터 떨어져 나와 바탕 전체의 문양을 이루며 보자기의 형태는 실루엣으로 그려져 그 위에 중첩되어 있다. 또한 보자기의 형상도 반복됨으로써 그 자체가 문양화되고 있다. 그리하여 그 형태는 개개의 보자기가 아니라 '보자기' 라는 개념의 표상이 된다. 이같이 어떤 사물의 형상을 모방하고 있는 동시에 그것의 보편적인 개념을 전달하는 형상은 일종의 기호(sign) 이다. 이같이 그의 그림은 기호회화(Sign painting)의 맥락에 속한다는 점에서 서구의 팝 아트 작품들을 상기시킨다. 그러나 앤디 워홀의 코카콜라 병과 강애란의보자기는 조형적 효과 면에서나 의도 면에서 전혀 다른 성격을 가진 것이다. 강애란의 형상은 기계 생산물도 아니고 균일하게 반복되지도 않으므로 대량생산, 소비사회에 대한 냉담한 발인의 성격을 가진 것이 아니기 때문이다. 이들 작품은 오히려 1970년대 이후 주로 여성작가들에 의해 시도된 패턴 페인팅에 접근한 다. 개개의 형상들은 직물의 문양과 같이 구상적 형태이면서도 추상적 단위요소의 역할을하며, 전체화면은 장식적인 평면구성으로 이루어져 있기 때문이다. 이러한 점에서 그의 작업은 구상과 추상의 구분이 무의미해진 현대미술의 속성을 반영하는 새로운 구상회화, 또는 새로운 추상회화의 분류로 볼 수 있을 것이다.
강애란의 작품에서는 구상과 추상이라는 속성이 이같이 의미상으로뿐 아니라 구조적으로도 결합되고 있다. 특히 바탕의 무늬와 보자기의 관계에 주의를 돌리면 이를 효과적으로 깨닫게 된다. 평면적인 문양과 실루엣으로 그려진 보자기는 마치 투명한 삼차원의 물체를 유리판 같은 것으로 눌려 놓은 듯 하나의 평면 위에서 만나기 때문이다. 바탕의 문양은 보자기 형상으로 배어져 나오고 보자기 형태는 문양의 일부를 이루게 되어 구상적 요소와 추상적 요소가 문자 그대로 결합되고 있는 것이다. 그리하여 전체 화면은 작은 보자기들을 포함한 하나의 커다란 보자기가 되는 셈이다. 캔버스 천을 갖가지 형태로 자르고 이어 붙여서 제작한 그의 화면은 실제로도 커다란 조각보와 같이 보인다.
구상과 주상의 결합이라는 속성은 기법적인 면에서도 발견된다. 이 작가는 섬세한 복제기법과 자발적인 필치를 동시에 구사하고 있다. 보자기의 실루엣은 치밀한 기법으로 대상의 형태를 충실하게 모방하고 그것을 석판이나 실크스크린으로 찍어낸 것인 반면, 배경의 문양은 주로 즉흥적인 필치와 우연적인 효과에 의존하고 있다. 어떤 물체를 묶은 상태의 보자기를 직접 합성수지로 떠낸 입체작품도 일종의 복제기법에 의한 것이라고 할 수 있다. 한편 바탕의 문양에 간혹 사용되고 있는 프로타쥬 기법은 복제의 속성과 무위적인 행위가 결합된 방법이라고 할 수 있다. 이외에도 그는 꿰매기나 재봉틀질 등 공예석 기법도 이용하고 있는데, 다양한 기법의 혼용이라는 측면은 1980년대 미술에서 발견되는 일반적인 현상이기도 하다.
강애란의 작업과 최근의 미술경향이 일치되는 또 하나의 특성으로 들 수 있는 것이 액자들에 한정되는 전통적인 회화 개념을 쇄신하고있는 점이다. 회화공간이 주변공간으로 확장되는 성향을 보여주는 이들 작품은 설치미술이 주류를 이루고 있는 최근의 미술동향을 반영한다. 일정한 형태를 반복하는 방법은 화면을 더 큰 세계의 일부로서 주지시키는 효과가 있다. 더욱이 화폭 밖으로 비어져 나온 보자기들은 화면을 외부공간으로 연장하는 역할을 하고 있다. 입체작품으로 만들어진 보자기들은 일루젼과 실제의 공간을 문자 그대로 연결시키는 계기가 되고 있다.
형상이나 색채, 그리고 기법 등에서 소위 저급미술로 분류되어 온 상업미술의 요소를 적극적으로 수용하고 있는 점 또한 이 작가와 동시대 미술의 공통점이다. 장식적인 화려한 색채는 벽지나 직물의 문양을 환기시킨다. 특히 나일론 보자기를 복제한 입체작품에 사용된 형광색채는 이러한 특징을 더욱 노골적으로 과시하고 있기까지 하다. 복제기법이나 바느질은 대중미술이나 공예와 같은 영역에서나 사용 되어온 기법이다. 이같은 방법은 팝 아트에서와 같이 소위 고급미술과 저급미술의 구분을 패러디하려는 비판적인 의도에 근거하고 있지는 않다. 그는 단지 주변의 시각적 현실에 민감하게 반응하고 이를 다양한 조형성의 하나로서 긍정적으로 받아들이고 있을 뿐이다.
형식과 기법의 탐구라는 성격이 두드러지는 이러한 종류의 작품은 내용이 없는것 같이 보이기 쉽다. 그러나 우리는 무엇인가를 싸고 있으면서도 그 속에 무엇이 들어 있는지를 알 수 없는 보자기들의 모습에서 묘한 신비스러움을 느끼게 된다. 친숙함과 신비로움이라는 이중성이 시적 서정성을 느끼게 하는 것이다. 또한 즉흥적인 힘찬 붓질은 안이한 장식성에 빠지기 쉬운 화면에 활력을 주는 요소인 동시에 작품을 제작하는 순간의 작가의 내적인 세계를 감지하게 하는 요소이기도 하다. 이러한 측면이 좀더 탐구된다면 형식과 내용을 겸비한 작업이 되지 않을까 생각된다.
이같이 추상과 구상, 평면과 입체, 고급미술과 저급미술의 구분을 허물고 있는 강애란의 최근작들은 동시대 미술의 속성들을 공유하고 있다. 이 사실이 이들 작품의 가치를 결정하는 요인은 아니겠지만 적어도 그를 이 시대의 조류에 민감하며 그것에 동참하는 한 젊은 작가로서 자리매김하는 요인은 될 수 있을 것이다. 그의 작업이 단순한 감각적 반응이라는 단계를 넘어 개성과 시대성을 동시에 드러내는 진정 의미있는 예술의 형태로 발전되기 위해서는 꾸준한 탐구와 노력의 과정이 필요하다는 점은 이 작가의 경우도 예외는 아니다. 다양한 재료들과 도구들, 폐기된 실험작들, 그리고 많은 미술책들이 널려있는 작업실에서 침식하며 자신의 일에 열중하고 있는 예술가의 모습자체가 바로 그러한 가능성을 암시하고 있다.